Archiv der Kategorie: Projekte

A SPACE IS A SPACE IS A SPACE

Ein Projekt des Bureau des arts plastiques et de l’architecture und des Deutschen Architektur Zentrums DAZ

Kader Attia, Rosa Barba, Nina Beier & Marie Lund, Laetitia Bénat, Peggy Buth, Nathalie Czech, Jason Dodge, Jimmie Durham, Jean-Pascal Flavien, Alicia Frankovich, Rainer Ganahl, Christian Jankowski, Hanna Kritten Tangsoo, Thomas Locher, Markus Miessen, Joanne Pouzenc, Michael Riedel, Lyllie Rouvière, Dennis Rudolph, Vanessa Safavi, Eric Stephany, Rosemarie Trockel, Clémence De La Tour Du Pin, Tris Vonna-Michell

Kuratiert von Karima Boudou, Céline Poulin und Agnès Violeau
Räumliches Konzept: Jean-Pascal Flavien

11.9.2015–8.11.2015
Donnerstag, 10.9.2015, 19 Uhr: Eröffnung
Zur Eröffnung sprechen BDA-Präsident Heiner Farwick, Cathy Larqué, Institut français und die Kuratorinnen der Ausstellung, mit anschließender Präsentation des projektspezifischen Kunst- und Literaturmagazins JBCQVF und Performance von Lyllie Rouvière mit Hanna Kritten Tangsoo.

Im Deutschen Architektur Zentrum DAZ, Berlin

Rosemarie Trockel, German Issue, 2014, © Rosemarie Trockel, VG Bild Kunst Bonn 2015, Courtesy Sprüth Magers

Im Rahmen des Projekts In Extenso – Erweitert, eine Zusammenarbeit des Bureau des arts plastiques et de l’architecture und des Deutschen Architektur Zentrum DAZ, lädt die Kuratorinnen Karima Boudou, Céline Poulin und Agnès Violeau  dazu ein, an der Schnittstelle zwischen Architektur und Kunst sich den Performance, Social Context un Public Space zu widmen.

Die performative und narrative Ausstellung bildet den letzten Abschnitt des in 2014 gestarteten Programms und beruht auf einem Vorschlag der drei Kuratorinnen.

A SPACE IS A SPACE IS A SPACE orchestriert eine Vielstimmigkeit von Perspektiven rund um miteinander in Bezug gestellte Realitäten: der physische Raum des DAZ, das städtische Umfeld am Spreeufer, das Internet und die redaktionelle Praxis als Orte des öffentlichen Austauschs. Die Ausstellung bietet dem Besucher an, innerhalb dieser Räume seine eigenen Sätze durch Dokumente oder Objekte, die innerhalb oder außerhalb des Ortes aktiviert werden, zu schreiben oder zu dekonstruieren.

Mind The Gap
commissariat Céline Poulin

Peggy Buth / Natalie Czech / Alicia Frankovich / Jean-Pascal Flavien / Markus Miessen / Joanne Pouzenc / Clémence de la Tour du Pin / Vanessa Safavi

Das Werk von Jean-Pascal Flavien, bestehend aus einer Rauminstallation und einer Projektion, lässt den Ausstellungsraum und den digitalen Raum „Mind the gap“ miteinander interagieren. Der wandelbare und partizipative digitale Raum bietet künstlerische, graphische, kritische und architektonische Elemente als Äquivalent zur physischen Installation, sodass sich eine gegensätzliche Konzeption des Raums jenseits der Kluft zwischen öffentlich/privat, real/virtuell, innen/außen entwickelt. Nach Aussage des amerikanischen Comic-Theoretikers Scott McCloud liegt der Sinn gerade in der Lücke, dem „gap“ zwischen zwei Bildern, also dort, wo nur noch Raum ist.

J’aime beaucoup ce que vous faites
Kuratiert von Agnès Violeau

Kunst- und Literaturzeitschrift – Sonderausgabe Performance / Public Space

Hannah Arendt / Kader Attia / Rosa Barba / Nina Beier & Marie Lund / Laetitia Bénat / Natalie Czech / Jason Dodge / Alicia Frankovich / Jean-Pascal Flavien / Rainer Ganahl / Christian Jankowski / Thomas Locher / Joanne Pouzenc / Michael Riedel / Dennis Rudolph / Éric Stephany / Rosemarie Trockel / Tris Vonna-Michell

Raum im Raum. Diese Sonderausgabe der Zeitschrift JBCQVF gleicht einer Insel des Widerstands. Die beteiligten Künstler, Architekten und Performer präsentieren ein „in der Mache“ befindliches Werk zum Thema Performance/Public Space und bringen so den Schaffensprozess, die Archäologie des Werkes und die Plastizität von Sprache zum Vorschein. Im Mittelpunkt stehen die Begriffe partizipative Demokratie, Phantom-Fabrik und „Entwerkung“, wie Giorgio Agamben sie beschreibt. Einige Beiträge werden von den Autoren oder von den Besuchern aktiviert, das Publizieren erfolgt also im Kollektiv und unter Aneignung des Raums.

The Broken Sentence
Kuratiert von Karima Boudou

Jimmie DURHAM / Joanne POUZENC

Der Künstler, Dichter und Aktivist Jimmie Durham entwickelt im Dialog mit der Rauminstallation eine Erzählung, die am Spreeufer nahe des DAZ ihren Ursprung nimmt. „Eure ‘Ordnung’ ist auf Sand gebaut“, entgegnete Rosa Luxemburg Anfang des 20. Jahrhunderts ihren Widersachern. Welche Bedeutung hat dieser Satz heute über das tragische Schicksal hinaus, das Rosa Luxemburg mit der Spree verbindet? Der Stein, Symbol für Architektur, wird in seiner Eigenständigkeit und Energie begriffen, die er übertragen kann. Die Architektin Joanne Pouzenc wird im DAZ einen Vortrag halten und einen Zusammenhang zwischen der Spree und dem Projektort herstellen. Welche Poesie, welche Form von Animismus und Rationalitätsverlust können daraus hervorgehen?

Rahmenprogramm

Donnerstag, 24.9.2015
19 Uhr – Performance von Dennis Rudolph: Der Künstler präsentiert eine „öffentliche Entschuldigung“ in einem geschlossenen Raum, die live in den Ausstellungsraum übertragen wird.

Montag, 19.10.2015
18 Uhr – Lesegruppe mit Joanne Pouzenc: Die Architektin diskutiert über vergessene revolutionäre Bewegungen und vergleicht diese mit neuen alternativen (Lebens-)Gemeinschaften an der Spree
20 Uhr – Film und Präsentation von Ali Cherri: Der Künstler präsentiert und diskutiert sein Filmprojekt „The Diggers“ in Rahmen seiner Forschung über Archäologie in der arabischen Welt.

Sonntag, 8.11.2015 (Finissage)
19 Uhr – Lesung von Jason Dodge – Zum Abschluss hält Jason Dodge eine „erzählerische Lesung“, die sich mit Sprache und dem öffentlichen Raum befasst.

Künstlerische Leitung: Marc Bembekoff (Kurator), Matthias Böttger (DAZ) und Cathy Larqué

A SPACE IS A SPACE IS A SPACE

11.9.2015–8.11.2015

Anschließend findet die Performance von Lyllie Rouvière statt, die sich mit der anthropologischen Dimension des Wohnraums beschäftigt.

Deutsches Architekturzentrum DAZ
Köpenicker Straße 48/49
10179 Berlin
Mi–So 14–19 Uhr
www.daz.de

Pressebilder zur Ausstellung und zum Projekt In Extenso – Erweitert stehen zum Download unter folgendem Link zur Verfügung.

Pressekontakt
Bureau N, Silke Neumann
Tel.: +49 30 62 73 61 02
silke.neumann@bureau-n.de

Deutsches Architektur Zentrum DAZ
Benedikt Hotze
Tel.: +49 30 27 87 99 13
hotze@bda-bund.de

Projekte im öffentlichen Raum sollten sich zu ihrer Umgebung diskursiv verhalten: Wie können Kunstwerke auf die Vielzahl von Stimmen und Einflüße reagieren? Welche Wirkungen hat diese verwobene und komplexe Beziehung auf beide Seiten?

Bild: Marlen Müller

Discussion In Extenso – Erweitert : Public Space

TRAILER IN EXTENSO – ERWEITERT : PUBLIC SPACE

Exberliner – Interview mit Céline Poulin

“Three questions for… Céline Poulin”

Arte Creative – Interview mit Céline Poulin

“Ich interessiere mich für Kunst, die verstört”

In einem Interview mit Arte Creative erzählt Céline Poulin über Ihre Arbeit als Kuratorin und über das Projekt In Extenso – Erweitert.

Vier Fragen an Céline Poulin

Wie würdest Du den Begriff von „Public Space“ definieren? Eine Analyse des Begriffs “Public Space” muss drei Dimensionen erfassen, und zwar diejenigen, die den öffentlichen Raum ausmachen bzw. bilden: Neben „care“ ist das „Sprache“ sowie “Fiktion“. In ihrem Werk Actors, Agents and Attendants, Caring Culture : Art,Architecture and the Politics of Health fragen die Herausgeber Andrea Phillips und Markus Miessen nach der Beziehung zwischen Kunst, Kultur und der politischen Dimension von „care“.

Der vieldeutige Begriff „care“ verbindet die Institutionen, deren Agenten (Krankenpfleger und -schwestern, Erzieher, Sozialarbeiter, etc.) sowie die öffentliche Hand des „welfare state“ in demokratischen Systemen. Sie gemeinsam implizieren gesellschaftliche Sicherheit und etwaige Unterastützung. Der Terminus „Kurator“ hat den gleichen Wortstamm und bedeutet auch „to take care“ – in diesem Fall, des Betrachters. Das Werk von Andrea Phillips und Markus Miessen kritisiert das Paradigma des „care“ als „ideologisch, paternalistisch, repressiv für das Individuum, für das Besondere und für den (kapitalistischen) Wachstum“ trotz eindeutiger Vorteile, wie „ dem kostenfreien Zugang zu Bildung, der Förderung von Kunst, dem gleichberechtigten Zugang zu Kultur, Erziehung und Pflege.“

Der Begriff des „care“ ist grundlegend, da er die Frage nach den Rollen und Aufgaben im „öffentlichen Raum“ stellt. Dieser Ansatz unterscheidet die Personen, die Hilfe bzw. Pflege im Sinne des „care“ erfahren von denjenigen, die über die Hilfsleistungen bestimmen und entscheiden, wer Anspruch auf sie hat. Trotz des lobenswerten Grundverständnisses schafft dieses Verständnis Machtverhältnisse: Wer schreibt die Regeln vor? Wer befolgt sie? Was geschieht, wenn jemand die Vorschriften nicht befolgen möchte?

Ich verwende hier den Terminus „vorschreiben“, da Macht und Machtverhältnisse im öffentlichen Raum sehr oft eine Frage der Sprache sind: Wer spricht? Wem ist es gestattet, zu sprechen? Was ist die offizielle Sprache? Sich (in Wort oder in Schrift) auszudrücken, hat erheblichen Einfluss auf den öffentlichen Raum und bestimmt die Stellung jeder Person.

Markus Miessen, der neben seiner Autorenschaft auch Architekt ist, verfasste gemeinsam mit Magnus Nilsson von nOffice eine Analyse der Gestaltung desjenigen Raumes, in dem das Wort ergriffen wird. In diesem Zusammenhang betonen sie die regulierende Kraft beweglicher Objekte bzw. architektonischer Strukturen für und im öffentlichen Raum, wie zum Beispiel in einem Amphitheater der Fall: die Anordnung des Raumes bestimmt die Stellung des Sprechers und des Zuhörenden. Die mündliche und schriftliche Sprache zerlegt demnach den öffentlichen Raum. Worte sind auf Wände geschrieben – auf legale Weise durch Werbung und auf illegale Weise durch Graffiti.

Es ist grundlegend, den öffentlichen Raum als diskursiven Raum zu begreifen. Wie Vanessa Desclaux in ihrem Werk „A sequence or a phrase“ analysiert, stellt Grammatik im Rahmen der Kommunikation ein Ganzes dar, das aus Regeln, Sprache regulierenden Konventionen und Normen besteht, aber auch im Rahmen des Wohnens Architektur normiert und Regeln unterliegt.

Auch Jean-Pascal Flavien arbeitet in diese Richtung: Indem er Bewohnern von Häusern grammatikalische Hilfsmittel zur Verfügung stellt (z.B. bewegliche und demontierbare Türen), Eröffnet er einen Raum für ihre Projekten, einen Raum,  in dem sie ihre eigenen Fiktionen gestalten können. Es geht darum, die diskursive Dimension des öffentlichen Raumes zu denken. Natürlich besteht Sprache auch aus Fiktion. Vor allem ist Fiktion fester Bestandteil des Prozesses, der den öffentlichen Raum bildet:  Einerseits projizieren Architekten und Urbanisten ihre Wunschvorstellungen hinsichtlich des Gebrauchs des öffentlichen Raumes, wenn sie Gebäude errichten oder einen Raum organisieren. Auf der anderen Seite sind auch sie durch Bücher, Filme und Comics beeinflusst… Überdies projizieren die Bewohner und Benutzer ihr eigenes „Raster“, das Perzeption und kulturelle Konstruktion in Verbindung bringt, auf die Welt in der sie leben. Deren persönliche und kollektive Fiktionen beeinflussen unmittelbar also die Stofflichkeit des öffentlichen Raumes wie auch Architekten, Künstler und Urbanisten Formen schaffen, die diesen Fiktionen entsprechen.

Man kann ergänzen, dass Fiktion auch den Begriff der Utopie miteinschließt. Aber, wie Jacques Rancière in einem Interview betont, „Das Wort Utopie hegt zwei widersprüchliche Bedeutungen: der Nicht-Ort und der richtige Ort.“ Ein Ort ohne Standort, ohne Einordnung einerseits, und andererseits einen Ort wo man sein soll. Die erste Bedeutung des Wortes ist mit dem Traum verbunden, die zweite mit dem Weg, den man für das eigene Wohl gehen soll, eine Art Gebot.

Nun möchte ich aber zum Begriff des „care“ und seiner demokratischen Mehrdeutigkeit zurückkommen: Eine unglaubliche Aktion des Konzeptkünstlers Raivo Puusemp, die Dissolution Rosendales, ist eine sehr interessante Verkörperung der Verbindung zwischen „care“, Sprache und Fiktion im öffentlichen Raum.

Raivo Puusemp bekleidete zwei Jahre lang das Amt des Bürgermeisters der Kommune Rosendale (ein kleines schuldenbeladenes Dorf im Staat New York, das sich – wie viele andere amerikanische Städte dieser Zeit – mit internen politischen und generationellen Streitigkeiten konfrontiert sah). Das Projekt dokumentiert seine Kampagne bis zu seinem Rücktritt, nachdem er es schaffte die Grenzen des Dorfes neu zu definieren. Er löste Rosendale juristisch gesehen auf und integrierte es in ein Nachbardorf mit demselben Namen.

Für uns ist bei dieser Intervention Puusemps vorallem die Möglichkeit interessant, einen öffentlichen Raum – administrativ gesehen – sozusagen auszulöschen. Er eliminiert diesen Raum konkret, immateriell und selbstverständlich auf diskursive Weise. Der öffentliche Raum Rosendale wird zu einem Nicht-Raum. Die Aktion Puusemps befragt gleichzeitig auch die Autorität des Bürgermeisters und den Einfluss der Sprache in der Gestaltung des öffentlichen Raumes.

Inwiefern bezieht sich deine Arbeit als Kuratorin auf „Public Space“, das Thema, das du im Rahmen des Projekts In Extenso behandeln wirst? In meiner Praxis als Kuratorin spezialisiere ich mich, seit zehn Jahren auf die Gestaltung von Ausstellungen und kontextuelle wie kooperative Projekte. Eine Ausstellung ist für mich eine kontextreiche Plattform, die für jedes Projekt eine Geschichte, ein allgemeines Bild, eine Verbindung mit dem Publikum herstellt. Der soziale, ökonomische, architektonische Kontext, wie das angesprochene Publikum und die den Ausstellungen inhärenten Parameter werden in meinen Projekten kritisch hinterfragt, sei es im den Parc Saint Léger oder in meinen Tätigkeiten als selbstständige Kuratorin mit oder ohne Le Bureau/.

Le Bureau/ ist ein in Paris aktives Kuratoren-Kollektiv, das ich im Jahr 2004 mitbegründet habe. Unser Ziel ist es, Ausstellungen im Sinne eines dynamischen und vermittelnden Raumes zu hinterfragen. Die gemeinsame Arbeit als Kuratoren ist eines der Grundprinzipien des Kollektivs. Den Austausch der Kompetenzen und Sensibilisierungen schaffen Protokolle, die auf eine multiple und relative Lesart das Werk fundieren.

Seit 2010 kümmere ich mich um das Hors-les-Murs Programm des Parc Saint Léger, Zentrum für zeitgenössische Kunst. Dort habe ich Projekte mit verschiedenen Partnern entwickelt, die sich in Räumen abspielten, die kulturelle und soziale Verbindungen schaffen: Museen, Krankenhäuser, Schulen, Schaufenster in der Stadt oder in Einkaufszentren. Die Ausstellungen und Veranstaltungen, die ich organisiere, sind immer für den Raum, in dem sie sich abspielen und mit den Personen, die sie betreuen, gedacht.
Gruppenausstellungen erlauben mir, künstlerische Herausforderungen zu definieren, welche auf die Räume, in denen sie sich entfalten, reagieren und diese problematisieren. Um meine Praxis ins Licht zu rücken, habe ich „Micro-séminaire“ konzipiert. Das Buch thematisiert die kuratorische und künstlerische Praxis. Frankreich hinkt in dieser Hinsicht noch etwas hinterher. Hinzu kommt, dass wir im Hinblick auf Finanzierung von Kultur eine Ausnahme darstellen, wasmit der öffentlichen Finanzierung von Kultur zusammenhängt.

„Micro-séminaire“ bringt den Austausch zwischen sämtlichen französischen Akteuren zusammen, deren Beitrag für die Zusammenarbeit und kontextuelle Praxis zentral sind, so auch die Übersetzung von thematischen Grundlagentexten ( Raqs Media Collective, Hassan Khan, Claire Bishop, Maria Lind). „Micro-séminaire“

Das Projekt In Extenso ermöglicht mir, die Recherche zum Thema Interaktion zwischen Kunst und öffentlichem Raum weiterzuführen.

Was bedeutet es heutzutage eine Kuratorin zu sein? Wie würdest Du die Rolle des Kurators in der Gesellschaft beschreiben? Für mich bedeutet Ausstellungskuratorin zu sein, der Entwicklung einer alternativen Kenntnis der Welt in Zusammenarbeit mit weiteren Akteuren, z.B. Künstlern und anderen, beizutragen. Akademische Kategorien sollten abgeschafft werden, um Fachrichtungen kooperativ zu verbinden. Ich komme vom Hintergrund der Philosophie und des Comics, und berufe mich oft auf den Comics Theoretiker Scott Mc Loud, um meine Arbeit darzustellen. Tatsächlich kann das von einer Kuratorin eingerichtete Display mit der Gestaltung der Zeichnungen eines Comics verglichen werden:

Eine Ausstellung ist eine Montage und eine Plattform für Erkenntnis, da sie durch die Verbindung verschiedener Elemente Sinn schafft. Dieser Sinn wird auch mit den Künstlern, den Forschern und allen anderen beteiligten konstruiert: Eine Ausstellung zu schaffen, ist eine kollektive Praxis.

Aber das Format der Ausstellung allein, ist nicht die einzige Ausdrucksform eines Kurators: Texte, Workshops, Lesungen, Konferenzen sind überdies geeignete Formate.

Welchen Beitrag leistet ein Programm wie Jeunes Commissaires mit einem Projekt wie In Extenso zu deiner Arbeit? Der Prozess des Projektes In Extenso entspricht ganz meiner Arbeitsweise: Kooperation, fachübergreifender Austausch, Forschung, etc. Das Projekt beginnt mit einer Diskussion mit Markus Miessen und Jean-Pascal Flavien und einem Workshop, der die Diskussion mit der Berliner Szene anregt, um die Ausstellung, die 2015 stattfindet, zu entwickeln.

Ich freue mich sehr, von Cathy Larqué, Mathias Böttger und Marc Bembekoff für dieses spannende Projekt um das Thema des öffentlichen Raumes eingeladen worden zu sein.

WORKSHOP: PUBLIC SPACE

Workshop In Extenso – Erweitert: Public Space, 27. November 2014 im Deutschen Architektur Zentrum, mit:

– Yildiz Aslandogan, Architektin
– Fabien Bidaut, Architekt
– Alicia Frankovich, Künstlerin
– Judith Lavagna, Kuratorin
– Aude Pariset, Künstlerin
– Joanne Pouzenc, Architektin
– Cailen Pybus, Architekt
– Tanya Ostojic, Künstlerin
– Vanessa Safavi, Künstlerin
– Cathy Larqué, Leiterin des Bureau des arts plastiques
– Matthias Böttger, Kurator im Deutschen Architektur Zentrum

Der „öffentliche Raum“ besteht aus architektonischem Funktionalismus, städtebaulicher Planung, offiziellen Reden und spontanen Äußerungen/Aktionen, die mittlerweile auch eine nicht zu vernachlässigende virtuelle Dimension haben. Er ist mehr denn je ein geteilter Raum, in dem neue globale Kulturen und Subkulturen entstehen. Hier scheiden sich die Geister und es gibt widersprüchliche Ansichten dazu, ob diese Prozesse als Auf- oder Abwertung zu verstehen seien. Céline Poulin untersucht diese Entwicklung anhand einer Reihe von Schlüsselwörtern und im Gespräch mit den folgenden Künstlern, Kuratoren, Aktivisten oder Architekten: Yildiz Aslandogan, Fabien Bidaut, Alicia Frankovich, Judith Lavagna, Aude Pariset, Joanne Pouzenc, Cailen Pybus, Tanja Ostojic und Vanessa Safavi. Jeder der Workshop-Teilnehmer hatte Gegenstände, Bilder, Texte oder Anekdoten parat, um daraus gemeinsam eine Begriffskonstellation zu erschaffen und den Raum mit sprachlichen Mitteln abzubilden. Das Gespräch dreht sich um die Begriffe Kunst, Stadtraum, Privatheit, Kommunikation, Ethik, Positionierung… Gesprochen wird vor allem darüber, dass jeder für sich den öffentlichen Raum auf verschiedene Arten wahrnimmt: Er wird geteilt, erlebt, durchquert, besetzt, es ist ein utopischer, alternativer Raum, der beschädigt, beherrscht und verändert wird, es ist ein realer oder fiktionaler Raum, virtuell oder auch nicht… Auf jeden Fall ist es ein Raum für individuelle oder kollektive Projektion. Nachfolgend ein Auszug der Gedanken und des Austauschs zu einigen der thematisierten Begriffe.

ANONYMITÄT.
Gestattet es der öffentliche Raum, die Identität eines Menschen auszulöschen, wenn er sich selbst oder durch ein Kunstwerk zur Schau stellt? Die Auslöschung wird von einigen als positiv empfunden (der Künstler als bloßer Übermittler einer höheren Botschaft), von anderen als negativ (Verschwinden der Einzigartigkeit). Gestattet es die ständige Zurschaustellung, auch durch die neuen Formen des sozialen Miteinanders, die Grenzen des Individuums zu erweitern und seine Sichtweise zu verbreiten? Oder geht vielmehr der Einzelne dadurch in der Masse unter? Die Nutzung eines sogenannten unpersönlichen Ortes – eines öffentlichen Platzes, einer Mauer, eines digitalen Mediums – kann das ganz Persönliche einer Sichtweise unterstreichen und umgekehrt. Es ist die Rede davon, „maskiert das Wort zu ergreifen“ und die möglichen Spannungen zwischen privat und öffentlich dazu zu nutzen, Offensichtliches und Verbote und Tabus gegen sich selbst zu kehren und so zu neuen Ansätzen zu gelangen. Es wird über Suzanne Lacy gesprochen und den Gedankengang der Künstlerin bei In Mourning and In Rage: von der Konzeption eines Ausdrucks in den Räumen einer Galerie über die Botschaft auf der Reklametafel bis zu Äußerungen auf der Straße von Teilnehmerinnen und Projektbeteiligten (https://www.youtube.com/watch?v=idK02tPdYV0).

TRANSPARENZ.
Wie kann man die riesigen digitalen Räume heutzutage eingrenzen? Begründen sie ein neues „menschliches Maß“ hinsichtlich der Privatsphäre, Messbarkeit und Erlebbarkeit? Die Künstler gehen auf diese Frage ein, sie bringen mögliche neue Vermischungen von privat und verschlossen, von offen und öffentlich ins Spiel. Es gibt eine hitzige Diskussion, als die Sprache auf das Berliner Projekt von Dries Verhoeven, Wanna Play?Love in Times of Grindr, kommt. Besonders betont werden unsere unterschiedlichen Auffassungen vom virtuellen Raum als öffentlichem Raum und die ideologischen Positionierungen, die dem zugrunde liegen. Die Bildschirme, die unseren Alltag beherrschen, und die dazugehörigen Apps und Programme lassen Verbindungen zwischen einer Vielzahl von Bereichen entstehen. Diese scheinen oft nichts miteinander zu tun zu haben und ihr Zusammentreffen hat gleichermaßen problematische wie faszinierende Folgen.

EIGENTUM.
Die schwierige Eigentumsfrage ist für die Definition des öffentlichen Raums von großer Bedeutung, da sie starken Einfluss darauf hat, wie wir einen Ort wahrnehmen: Wem gehört er? Wer ist dafür zuständig? Ist ein öffentlicher Raum ein Raum, der dem Staat gehört, oder gehört er im Gegenteil niemandem und somit allen? Es gibt privatisierte Räume im öffentlichen Raum, zum Beispiel Werbeflächen (http://www.referenceforbusiness.com/history2/59/JCDecaux-S-A.html). Eigentum ist auch eine gesetzliche Frage im Hinblick auf den freien Verkehr von Waren, Personen und Inhalten. Die Nutzung des Internet, Inbegriff des Freiraums, mag unseren Alltag revolutionieren, aber sie lässt auch Missbrauch zu, dem gesetzliche Strukturen kaum Einhalt gebieten können. Zu welchen Erkenntnissen führen fächerübergreifende Studien, die sich mit den Grenzen unseres Eigentums beschäftigen? Wie legt man die Grenzen dessen fest, was ein Kunstwerk als Phänomen ausmacht?

WIRKUNG.
Ausgehend vom heute herrschenden Kapitalismus ist es nur konsequent, wenn man den neuen Anforderungen zum Teilen des öffentlichen Raumes Rechnung trägt. Jeder punktuelle oder dauerhafte Beitrag hinterlässt Spuren. Wie überträgt man die Wirkung künstlerisch-sozialer Themen auf diesen Raum, der praktisch nie vollkommen frei, vollkommen umsonst oder vollkommen verfügbar ist? Die Installation von Aude Pariset 3 days after; Adeus, Ćao in einem halb leerstehenden Einkaufszentrum in Nevers wirft viele Fragen über das Wesen dieses Raums auf, der zwar privaten Unternehmen gehört, jedoch per definitionem auch ein öffentlicher Raum ist (vor allem als Ort der Repräsentation und des Zusammentreffens). Wenn wir davon ausgehen, dass jede Kunst auf Wirkung abzielt, ist es interessant, Vorgehensweisen zu beobachten, die im kulturellen Kontext aufgehen und sehr zurückhaltend sind, um nicht zu sagen: kaum wahrnehmbar oder unsichtbar. Sie verwirren die „Nutzer“ (Passanten, Zuschauer usw.), wenn sie die Form von Werbung oder funktionaler Architektur annehmen, um deren Doppeldeutigkeit zu betonen.

FREIHEIT.
Der Event-Charakter von Kunst im öffentlichen Raum wird immer wichtiger. Zum operationalen Vorgehen bei einem Kunstwerk gehört deshalb oft die Planung der Wirkung. Zweck dieser Planung kann die Eroberung oder Rückeroberung eines Ortes oder eines Publikums sein. Dieser Aspekt trübt die romantische Auffassung, dass der öffentliche Raum ein Ort sei, an dem die Freiheit der Meinung und des Ausdrucks zum Tragen kommen kann – oder muss. Das betrifft nicht die Äußerungen etablierter Machthaber, sondern individuelle und spontane Äußerungen. Die Bedingungen für die Entstehung von Kunstwerken, die von den Institutionen, die sie ermöglichen, definiert werden, tragen entschieden dazu bei, inwiefern wir den öffentlichen Raum als Freiraum wahrnehmen. Wenn eine Aktion explizit als Kunstwerk angekündigt wird oder im Verdacht steht, Kunst zu sein, ist ihre Wirkung dann in Frage gestellt? Eine Aktion hat als Bestandteil eines Kunstprogramms schließlich einen anderen Sinn, als wenn sie spontan im Alltag erfolgt. Manche Handlungen verlassen deshalb bewusst den Kunstbereich und lassen sich z. B. eher dem Aktivismus zuordnen. Es stellt sich daraufhin die Frage, wie das Projekt zu bewerten sei, wenn es im Kunstbereich wiederholt würde. Raivo Puusemps Projekt Beyond Art – Dissolution of Rosendale ist in verschiedener Hinsicht interessant. Der Künstler hat sich dafür entschieden, als Bürger in einem politischen Kontext aufzutreten und seine Aktion dabei im Einklang mit seiner konzeptuellen Praxis zu gestalten. Die schwierige Zuordnung dieses Beitrags zu einem bestimmten Bereich, zu einem bestimmten Raum (der Auftritt findet überwiegend, aber nicht ausschließlich im sprachlichen Raum statt) ist eine Grundvoraussetzung für das Projekt. Es wird betont, dass es notwendig sei, Zuordnungen und genaue Begrenzungen von Räumen und Konzepten zu vermeiden, denn je mehr man sich mit einem Objekt befasst, desto schwieriger wird es, seine Umrisse zu erkennen, wie Ariella Azoulay in ihrer Studie über den Begriff Revolution schreibt (http://www.politicalconcepts.org/revolution-ariella-azoulay/). Diese Schwierigkeit zeugt von der Komplexität des Objekts als solchem.

TRANSIT.
Wenn die Besetzung des öffentlichen Raumes einer festen Spielregel gehorcht, dann könnte eine Transit-Situation, ein Zwischenraum, ein Übergang eine passende Gegebenheit für die Schaffung eines Werkes mit gesellschaftlichem Bezug sein. Diese Form ist jedoch schwer zu erfassen und einzugrenzen, und die Aneignung lässt sich nur schwer bestimmen und das Eigentum unmöglich zuordnen. Wer kann einen Zwischenraum, einen beweglichen Raum für sich beanspruchen? Es steht allerdings fest, dass sich in einem Übergangsbereich immer die Frage nach der Zugehörigkeit und dem Eigentum stellt, in praktischer wie symbolischer Hinsicht. Beispiele aus der Politik zeigen, dass Übergangsbereiche oftmals Konfliktherde sind. Der Konflikt ist für Künstler eine fruchtbare Art der Begegnung, und wie Chantal Mouffe in einem Interview mit Markus Miessen sagt: „Wir müssen die allenthalben herrschende Einigkeit aufbrechen und zur Dynamik des Konfliktes zurückkehren.“ Es kann deshalb nicht nur darum gehen, einen Transitraum zu besetzen, es müssen vor allem Übergangsbereiche geschaffen werden, eine Art Niemandsland. Wie wird sich der Diskurs in einem Raum ohne spezifische, feststehende Eigenschaften entwickeln?

Céline Poulin

Céline Poulin (*1978) arbeitet seit 2004 als unabhängige Kuratorin und ist seit Juni 2010 für das Programm „Hors les murs“ des Parc Saint Léger zuständig. Dort verantwortete sie verschiedene Projekte wie zum Beispiel „Traucum” (2014), „Minusubliminus“ (2011) in Zusammenarbeit mit dem Museum Loire in Cosne-Cours-sur-Loire) sowie „Triangulation“ (2013) von Alejandro Cesarco in Kooperation mit dem Frac Bourgogne und dem Centre culturel de rencontre von Charité sur Loire.
In ihren Projekten experimentiert Céline Poulin vermittels verschiedener Arbeitsprozesse zu den Themen Bild, Wunsch und Wissen. Durch einen reflexiven  Ansatz befragt sie das Display und die Zusammenarbeit, die jedem Projekt zugrunde liegen.
2013 organisierte sie das Programm „Brigadoon“ in Clermont-Ferrand und im Jahr 2009 und 2010 „Les belles images“ in der Box (Bourges). Innerhalb des von von ihr mitgegründeten Kollektivs le Bureau/ forscht Céline Poulin zur kuratorischen Praxis und initiierte zahlreiche Ausstellungen in unterschiedlichen Strukturen: Darunter La Villa du Parc (Annemasse) in Zusammenarbeit mit dem Mamco, Casino (Luxembourg), Galerie Klemm’s (Berlin), La Synagogue (Delme) sowie Les Laboratoires d’Aubervilliers in Kooperation mit dem Fond National d’Art Contemporain oder in Zusammenarbeit mit dem Institut français („In Extenso – Erweitert | Public Space“, DAZ (Berlin), „Uchronie, des récits de collections“ (Klatovy, Prag) und in Arc-et-Senans in Zusammenarbeit mit  Frac Franche-Comté).
Ihre Arbeiten hält Céline Poulin in Veröffentlichungen fest: www.brigadoon.me (2014), „Micro-séminaire“, édition Parc Saint Léger (2013), „Stellatopia“, édition Parc Saint Léger (2012), „Mecca Nouement“, édition du Crédac (2011), www.lesbellesimages.net (2010), „Un plan simple“, édition B42 (2010) „Mecca Formes souterraines, une géométrie organique“, édition du Crédac (2009).

Céline Poulin ist Mitglied des Verwaltungsrats des Kuratorenvereins c-e-a und der IKT (International Association of Curators of Contemporary Art).

Kunst und Architektur reagieren auf den gegebenen sozialen und kulturellen Kontext. Ist es dennoch möglich dieses Verhältnis umzukehren und den Kontext erst zu erschaffen?

Photographie: Marlen Müller

die Arbeit der französischen Kuratorin Karima Boudou bewegt sich vor dem Hintergrund, dass Kunst und Architektur im Verhältnis zu ihren spezifischen sozialen und kulturellen Kontexten existieren. Demensprechend geht sie von einem unmittelbaren Einfluss sozialer Begebenheiten auf Darstellungen und auf künstlerische Praktiken aus. Diese Annahme stellt in ihrer kuratorischen Praxis jedoch weniger ein Thema an sich dar, als ein Werkzeug, mit dem sie sich ihren Projekten, den Ausstellungen und involvierten Künstlern sowie Kunstwerken nähert. Um diese Annahmen und ihre Arbeitsweise zu diskutieren und hinsichtlich des Individuums zu untersuchen, lädt Karima Boudou die Architektin Laurence Kimmel und den Künstler, Dichter und Schriftsteller Jimmie Durham an den Y-Tisch des DAZ. Gemeinsam werden sie sich den Fragen nähern, wie soziale und politische Prozesse unsere Beziehung zur Umwelt definieren, wie Ästhetik und Architektur darauf reagieren können und wie dies die Idee von uns selbst beeinflusst.

Talk In Extenso – Erweitert: Social Context

Trailer In Extenso – Erweitert: Social Context

Arte Creative – Interview avec Karima Boudou

“Neue Kuratoren braucht das Land Neue Kuratoren braucht das Land: Das deutsch-französische Programm fördert den Nachwuchs”

In einem Interview mit ARTE Creative erzählt Karima Boudou über ihre Arbeit als Kuratorin und über das Projekt In Extenso – Erweitert.

Vier Fragen an Karima Boudou

Wie würdest Du den Begriff von „Social Context“ definieren?
Wie jeglicher Kommunikationsprozess nimmt Kunst im sozialen Rahmen Gestalt an und wird sichtbar gemacht. Es gibt dementsprechend einen unmittelbaren Einfluss sozialer Begebenheiten auf Darstellungen und auf künstlerische Praktiken. Diese Frage erinnert mich an eine Geschichte, die Jimmie Durham in seinem Essay Report to Molly Spotted Elk and Josephine Baker über den Künstler David Hammons erzählt. In den 80er Jahren stellt Hammons in Washington D.C. die Büste Jesse Jacksons mit dem Titel How Do You Like Me Now? aus, die ihn als weißen Mann mit blauen Augen und blonden Haaren darstellt. Die Reaktion der Afro-Amerikanischen Community ließ nicht lange auf sich warten – Das Werk galt als Beleidigung Jacksons. Hammons wollte im Rahmen einer Ausstellung zum Thema Moderne und Afro-Amerikanischer Kultur einen Kommentar zum Unterschied zwischen der Generation des Civil Right Movements und der aufgehenden Hip-Hop-Generation abgeben (der Slogan “How Ya Like Me Now?” entspringt der Rap-Ikone Kool Moe Dee der 80er). Dieses Beispiel zeigt, welche Antwort ein Künstler auf ein kontroverses soziales Problem geben kann, indem er soziale Normen kritisiert. Der Geschichte Jimmie Durhams über seinen Freund David Hammons liegt eine Untersuchung zugrunde, die Kunstgeschichte sowie soziale, politische und geschichtliche Überlegungen miteinbezieht. Dabei steht fest, dass der Künstler keine oder kaum Kontrolle auf die Rezeption seines Werks ausüben kann.

David Hammons, How ya like me now?, 1988

Inwiefern bezieht sich deine Arbeit als Kuratorin auf „Social Context“, das Thema, das du im Rahmen des Projekts In Extenso behandeln wirst?
Aus pragmatischer Sicht, knüpfe ich in meiner Arbeit an dieses Thema an, da ich gerne persönlich mit Künstlern arbeite und neue Projekte für einen spezifischen Raum entwickle. Dieses Projekt stellt auch eine Herausforderung dar, weil zeitliche, finanzielle, räumliche und logistische Beschränkungen gegeben sind. Es ist zugleich auch befriedigend, da die Möglichkeit besteht, tiefgreifende Recherchen anzustellen und die Ergebnisse anschliessend in einer Ausstellung oder in einer Veröffentlichung festzuhalten. „Social Context“ ist für mich eher eine Komponente, ein Werkzeug zum Verständnis für meine Projekte und nicht an sich ein Thema oder eine Spezialisierung. Durch die Analyse des politischen und sozialen Kontexts stütze ich mich mithilfe der Werkzeuge eines Kunsthistorikers in den Ausstellungen auf dieses Feld. Diese Arbeitsweise ermöglicht mir eine ausführliche Kontextualisierung jeden Projektes und erlaubt das Spiel mit der Erzählung, die Zerteilung und Neuzusammensetzung der Informationen, um zentrale Fragestellungen und Problematiken zum Vorschein zu bringen. Unsere politische Meinung und unsere soziale Schicht beeinflussen unsere Forschung und unsere Interpretation der Ergebnisse. Das politische Klima und die Funktionsweise unserer Gesellschaft, wie z.B. im oben beschriebenen Fall Hammons determinieren, wie die Informationen eines „Social Context“ interpretiert werden und sich in einem Werk verkörpern. Diese Herausforderungen verdoppeln sich in meiner Arbeit: Sie existieren im Werk des Künstlers und im Kontext der Ausstellung. Es erscheint mir jedoch unabdinglich das Gleichgewicht zwischen einer formalistischen Herangehensweise (Analyse der plastischen Qualitäten des Werks) und der Beziehung zu einer Art Verpflichtung des Künstlers beizubehalten. Angewandt auf Architektur kann ein spannender Bezug zum Begriff des Fortschritts eingebunden werden. Wie kann Architektur eine Sprache sein, die diese Idee unterstützt? Wie kann diese Sprache wiederum kritisiert werden, z.B. durch die Entropie oder den Begriff der „Anti-Architektur“ Jimmie Durhams?
Was bedeutet es heutzutage, eine Kuratorin zu sein? Wie würdest Du die Rolle des Kurators in unserer Gesellschaft beschreiben?
Die Rollen, die ein Kurator einnimmt und die Kompetenzen, die seine Tätigkeit erfordern sind sehr breit gefächert und verändern sich je nach Kontext. Jenseits der Entscheidungen die getroffen werden, wohnt meiner Ansicht nach diesem Beruf eine wesentliche soziale und politische Rolle inne, die allein durch das Wissen über kulturelle, soziale und politische Geschichte eingenommen werden kann. Dies erfordert für Künstler und für Kuratoren einen Balance-Akt zwischen kultureller Verpflichtung und Gestaltungs- und Gedankenfreiheit. Außerdem meine ich, dass der Künstler in der Beziehung Kurator-Künstler die vorrangige Position einnimmt. Ich erlaube einem Künstler gerne sein Projekt genau so zu realisieren, wie er es sich vorstellt – selbstverständlich stets im Rahmen der finanziellen und logistischen Möglichkeiten. Meine Rolle ist die eines Vermittlers- Warum sollte man sonst diese Tätigkeit ausüben? Diese Beziehung verändert sich jedoch, wenn sich eine Ausstellung um das Werk verstorbener Künstler dreht. Dies war z.B. 2013 im De Appel der Fall, als ich in Zusammenarbeit mit anderen Kuratoren anhand von Werken aus der Region Nordbrabant die Nachkriegszeit verhandelte.
Welchen Beitrag leistet ein Programm wie Jeunes Commissaires mit einem Projekt wie In Extenso zu deiner Arbeit?
Das Format und die Beschaffenheit des Projektes In Extenso bieten einen Spiel- und Experimentierraum, der es mir erlaubt, Ideen und Denkweisen auszutesten, die in einer „traditionellen“ Ausstellung nicht unbedingt möglich gewesen wären. Jenseits der Frage nach der Beziehung zwischen Kunst und Architektur ermöglicht diese Herangehensweise das Arbeiten in verschiedenen Schritten und erlaubt, insbesondere die Legitimität und das Wesen des Bezuges zwischen diesen beiden Fachgebieten in Frage zu stellen- Durch Problematiken, die an einer etablierten Gesellschaftsordnung rütteln. Daneben gehe ich davon aus, dass dieses Projekt eine Austausch- und Diskussionsplattform ermöglicht, die langfristig den Ideenaustausch belebt. Da ich meine Inspirationen größtenteils außerhalb der zeitgenössischen Kunst suche und finde, bietet dieses Projekt für meine laufenden Forschungen ein probates Format.

Workshop Social Context

Freitag, den 26. September 2014

Workshop In Extenso – Erweitert : Sozialer Kontext, 25. September 2014 im Deutschen Architektur Zentrum, mit:

– Karima Boudou, Kuratorin
– Jörg Stollmann, Architekt und Professor
– Bani Abidi, Künstlerin
– Cathy Larqué, Leiterin des Bureau des arts plastiques
– Matthias Böttger, Kurator im Deutschen Architektur Zentrum

Die Kunstgeschichte ist eine Ballung von Räumen. Wie die Einzelteile einer Uhr wird jedes Monument vorsichtig dort platziert, und das, was es erzählt, dreht sich immerzu um die Künstler und deren Hintergrund. Man meint, den Werken der Künstler viel Sinnhaftigkeit verleihen zu können, indem man sie bestimmten Stätten, Räumen und Orten zuordnet: Herkunftsort und Exil, privater und öffentlicher Raum, soziales und politisches Umfeld, Ort des Austauschs und des Handels, Grenzen der Ethik und des Urteils, akademischer und institutioneller Bereich, Grenzen zwischen Mainstream und Underground, in situ und ex situ.

Die Benennung dieser Räume wird oft verbunden mit Schulen und Stilen, mit Netzwerken und Einzelpersonen, mit bestimmten Gegenständen und kurzen oder langen Geschichten. Indem man versucht, den „Werdegang“ eines Künstlers nachzuzeichnen, glaubt man besser zu verstehen, was ihn geformt hat und was ihn zu seiner Kunst veranlasst hat. Indem man sich seinem „Herkunftsort“ nähert, glaubt man, seinen Ausgangspunkt eingrenzen zu können.

Was aber, wenn der Künstler eine widersprüchliche, nicht kontinuierliche Beziehung zu seiner Herkunftsstätte hat? Die pakistanische Künstlerin Bani Abidi schleudert uns mit ihren engagierten Fotos und Videos in labyrinthartige, zerstörte oder verlassene Räume. Ihre Arbeit – eine Mischung aus Performance, Fiktion und Dokumentation – lädt zum Nachdenken ein über kolonisierte, geteilte, im Konflikt befindliche oder gar zerstörte Länder und deren Bezug zu den Massenmedien. Es stellt sich die Frage danach, wie ein Bezug zwischen der Kunst und dem Ort entstehen kann. Wir folgen einem Mann durch eine Kino-Ruine. Wir stehen in einer Schlange mit Menschen, die geduldig darauf warten, kontrolliert zu werden. Das Temporäre eines jeden Ortes, die Endlichkeit der architektonischen und menschlichen Räume werden so verdeutlicht.

Der Architekt Jörg Stollmann regt an, sich mit den Räumen zu befassen, die dem Künstler eigen sind: mit dem biografischen Kontext des Autors und dem Kontext, indem er sein Werk ansiedelt. Es stellt sich dabei die Frage nach ihrer Funktion im Prozess der Neuerung. Welchen Anteil hat die Erfahrung an der Schaffung eines neuen Produktes oder Ortes? Die Kunst, wie auch die Architektur, erscheint als geeignetes Mittel, die vermeintlich perfekte Gleichung vom Raum und Kausalität ins Wanken zu bringen: hinsichtlich der persönlichen und historischen Biografien ebenso wie hinsichtlich der Rezeption von Interventionen in einem speziellen Kontext.

Die Kuratorin Karima Boudou äußert den – modernistischen – Begriff des Monuments, vertikal und fest, im Hinblick auf die Möglichkeit für den Zuschauer oder „Nutzer“, sich in ein Kunstwerk einzubringen. Es stellt sich folgende Frage: Wie schafft man Einmischungsmöglichkeiten für den Menschen, die sich nicht nur auf den künstlerischen Raum auswirken, sondern auch auf das Leben in einer Stadt, einer Gesellschaft, einer Bevölkerung? Indem Boudou den amerikanischen Künstler David Hammons als Beispiel anführt, betont sie, dass ein Zusammenbruch – oder zumindest eine Neuorganisation – der Vormachtstellung des Monuments durch künstlerisches oder architektonisches Wirken möglich ist, und dass die verschiedenen Sprachen, die ein Werk umgeben, dem Teilen dienen, zum Verstehen einladen und vielleicht auch zur Teilhabe am Diskurs. Es wird angemerkt, dass der Begriff Kontext niemals als gesichert und transparent gelten kann, ebenso wenig wie die zahlreichen Macht- und Einflussmechanismen, die man mit einem Ort verbindet, wie z.B. Gefühle, Institutionen, Politik, Kommerz.

Dem privaten Raum, als Gegenpart zum „öffentlichen“ Raum, kommt bei der Betrachtung des sozialen Raums im Allgemeinen eine besondere Bedeutung zu. Traditionell wird diesem eher hermetischen privaten, häuslichen Raum der öffentliche Raum entgegengesetzt, dem – zusammen mit den Architekten und Stadtplanern – die Aufgabe zukommt, der Zivilgesellschaft eine Form, einen Raum zu geben und sie zu repräsentieren. Gleichzeitig ist es Aufgabe des privaten, bürgerlichen Raumes, die Familie mit ihren Hierarchien zu schützen oder gar zu idealisieren. Die typischen Vorstadt-Wohnviertel sind das beste Beispiel für dieses Konzept; sie liegen isoliert am Rand der chaotischen Stadt und geben sozialen Problemen (Schicht, Herkunft, Rasse) auf diese Weise Form, Raum und Zeit.

Ob diese typische Struktur heute noch Bestand hat, ist zu bezweifeln. Durch das Streben nach wirtschaftlichem Gewinn zieht es den Einzelnen eher in das Stadtzentrum als an den Stadtrand, da er dort am städtischen, kosmopolitischen Leben der Gesellschaft teilhat. Karima Boudou merkt hierzu an, dass man beobachten muss, wie diese Dynamiken es den Künstlern ermöglichen – oder erschweren – ihr Wirken in das Leben der Gesellschaft zu integrieren. Jörg Stollmann ergänzt, dass diese Feststellung auch für Stadtplaner und Architekten gilt.

Die Zuteilung von Räumen an Gemeinden gehorcht oftmals politischen und moralischen Strukturen und wird von einem mehr oder weniger starken Wunsch nach Kontrolle genährt. Man will die verschiedenen Gruppen in ihren jeweiligen Räumen verortet wissen und ihre Ausbreitung regulieren können. Der Mehrdeutigkeit einer jeden Struktur, eines jeden Ortes wird nur wenig Raum gegeben, oft zugunsten eines völlig unangebrachten Oberflächen-Formalismus.

Auf kritische Weise beschäftigten sich in den Siebzigerjahren die Strömungen der „Earth Art“ oder „Land Art“ mit dieser Frage. Sie gingen entschieden die Probleme der site-specific art und des konzeptuellen Wirkens allgemein an. Sie ermutigten die Künstler, den Reichtum der Natur und der Rohstoffe zu nutzen, Landkarten, Landschaften und deren Bewohner mit einzubeziehen.

Es zeigt sich heute wieder, dass Kunst und Künstler und vergleichbar auch Architektur und Architekten Körper und Räume besser miteinander verbinden könnten, wenn makroskopische Umweltparameter und die persönliche Erfahrung des Einzelnen in die kuratorische Tätigkeit einfließen.

Karima Boudou zitiert Laurence Kimmel, die den zeitgenössischen Tanz als eine „Abfolge von Ungleichgewichten“ beschreibt. Wäre es da nicht vielleicht an der Zeit, nach einer „Revolution in Bewegung“ zu streben? So könnte man an allem teilhaben, was in der weiten Welt vorgeht, ohne vorrangig über konkrete Interpretationen nachzudenken. Und würden Künstler und Architekten, wenn man neue Anziehungspunkte und neue Ungleichgewichte schafft, nicht eher versuchen, vor allem unsere sozialen Wahrnehmungen zu verändern, anstatt neue Objekte zu konzipieren, und so neue Kontexte entdecken?

Bild: David Hammons, Shoe Tree, 1981
Text: Jeanne-Salomé Rochat

Karima Boudou

Karima Boudou (*1987) arbeitet derzeit als unabhängige Kuratorin in Frankreich und in Marokko. Sie studierte Kunstgeschichte in Montpellier und Rennes sowie Philosophie in Nanterre, Frankreich. Anschließend absolvierte sie 2012-2013 das De Appel Curatorial Programme in Amsterdam. 2011 war sie Mitbegründerin des unabhängigen Kuratoren-Kollektiv DIS/PARERE. Sie initiierte in Marokko die Struktur AGENCE, die Projekte zu den Themen Wirtschaft und Autorschaft entwickelt. Sie trägt dem Magazin Contemporary And bei und führt daneben unabhängige Forschungsprojekte in Marokko. Zuletzt kuratierte sie eine Einzelausstellung von Donnelle Woolford, die im Rahmen der Marrakech Biennale 2014 präsentiert wurde.

Sie kuratierte u.a. die folgenden Ausstellungen: À la recherche de l’exposition présente (2012, Frac Bretagne, Rennes), Bourgeois Leftovers (2013, de Appel Arts Centre), Ce lieu n’est pas la maison de Descartes (2013, Institut Français des Pays-­Bas, Amsterdam), Le Signe Route (2013, L’appartement 22, Rabat), Performer, Artisan, Narrator (Donelle Woolford, 2014, Biennale de Marrakech, Marrakech), You can delete any comment that you create (2014, InBetween, Bruxelles).

Wenn performatives Handeln einerseits die räumliche Anordnung in der etwas stattfindet abbilden kann, wäre es andererseits auch möglich, diese räumliche Wirkung zu minimieren und die Aufmerksamkeit auf die flüchtige Zeit zu richten?

Am 22. Mai startete „In Extenso – Erweitert“: Die Kuratorin Agnès Violeau wird sich gemeinsam mit der Autorin und Philosophin Léa Gauthier sowie dem Künstler Christian Jankowski dem Thema „Performance“ nähern. In Vorbereitung auf die Diskussionsrunde am Y-table des Deutschen Architektur Zentrums DAZ haben wir mit Agnès ein Interview geführt, das nicht nur Einblicke in ihre Definition von Performance und ihr kuratorisches Selbstverständnis gibt:

Talk

Trailer In Extenso – Erweitert: Performance

Vier Fragen an Agnès Violeau

Wie würdest Du den Begriff von Performance definieren?
Als unabhängige Kuratorin beschäftige ich mich bereits seit zehn Jahren mit diesem Begriff. Performance ist zu allererst Intention und ihre Interpretation rekurriert auf den Körper bzw. dessen Präsenz. Daraus ergeben sich eine Vielzahl an Möglichkeiten, besonders seit den Nullerjahren, als die Grenzen zwischen den künstlerischen Disziplinen immer poröser wurden, die Bildenden Künste sich Mittel der Darstellenden Kunst zu eigen machten und ein gewisser Hang zur Theatralität Einzug hielt. Im Übrigen ist der Einfluss der Schule des neuen Tanzes und der Choreografen der neunziger Jahren (Xavier Le Roy, Jérôme Bel, und später Boris Charmatz) auf die heutigen Künstlern deutlich erkennbar. Dieses aktuelle Interesse an Performance steht für mich in enger Verbindung zu den Entwicklungen um die  Jahrhundertwende. Ich mag den Gedanken von RoseLee Goldberg, wonach Performance eine Art der Konzentration aller Medien ist – Bildhauerei, Malerei, Video – deren Trennung sie in Frage stellt, um dadurch eine neue Form künstlerischer Freiheit zu finden. Seit ein paar Jahren, und die Krise hat das sicher bestärkt, sehnen wir uns nach Körperlichkeit, einer Begegnung mit dem Anderen. Performance offenbart einen Moment des Innehaltens, der Verlangsamung; sie verlangt die Präsenz des Künstlers sowie die unsrig als Zuschauer. Vor allem strebt Performance nicht unbedingt, nach Ergebnissen, nach heroischen oder spektakulären Gesten, sondern beweist, dass eine Alternative zum Wettbewerb, zur Performance im Sinne der Effizienz möglich ist, die vor allem mit Austausch, mit dem Leben zu tun hat. Sie entspricht der komplexen wirtschaftlichen Phase, die wir heute erleben und weniger jener der 80-90 Jahre… Übrigens hat sich in Ländern wie Latein Amerika und Osteuropa eine historisch relevante performative Szene zu einer Zeit entwickelt, als es,  lediglich den Körper als „Arbeitsmittel“ gab, um öffentlich präsent zu sein.

Inwiefern bezieht sich deine Arbeit als Kuratorin auf Performance, das Thema, das du im Rahmen des Projekts In Extenso behandeln wirst?
Als Kunsthistorikerin und Museumswissenschaftlerin war meine erste Herausforderung nach dem Studium die Koordination eines Projektraums. Dort arbeitete ich mit den Künstlern eng zusammen, um temporäre wie permanente Projekte vor Ort zu realisieren. Sehr schnell habe ich in dieser Zeit festgestellt, dass meine Interessen und vielleicht auch meine Fähigkeiten, von Begriffen wie „Hier“ und „Jetzt“ gesteuert sind. Die Künstler, mit denen ich arbeitete, waren unheimlich aktiv und umtriebig. Alles war permanent in Bewegung und im Entstehen, nichts war  in Stein gemeißelt oder bestand Schwarz auf Weiß. Alles wurde in „Echtzeit“ gebaut und umgesetzt. In diesem Kontext ist auch die kuratorische Zeitschrift J’aime beaucoup ce que vous faites entstanden, die den Schaffensprozess von bildenden sowie literarischen Werken thematisiert. Und dann habe ich etwas kennengelernt,   was noch beweglicher und weniger monadisch war als die Praktiken der Künstler, mit denen ich bisher zusammenarbeitete: die Live Praxis. Als ich dabei war, in die Welt der Performance durch Lautpoesie und öffentliche Lesungen einzutauchen, wurde ich zusammen mit Christian Alandete (Mitbegründer und Kodirektor der Zeitschrift JBCQVF) von der Ricard Stiftung dazu eingeladen, das Programm „Fiction-Lectures performées“ zu kuratieren. Dieses neue Projekt gab mir die Gelegenheit, die Suche nach neuen Formen von Performativität zu vertiefen, unabhängig von historischen Modellen, die mit dieser Ausdrucksform eine politisch engagierte Kunst bezeichneten, die nichts mit lebendiger Kunst zu tun hatte (per oder proforma, „durch die Form“, das ergab to perform, „erledigen, machen“ oder im alten Französisch parformance, „formen“). Obwohl meine Vorgehensweise überwiegend auf Fragen zur Sprache und ihres unerschöpflichen Potentials an Aktivierungsmöglichkeiten (Am Anfang war das Wort) beruht, besonders auf den Gedanken und Notationen zur Performativität von John Austins, denke ich, dass der Körper unser einziges tatsächliches Eigentum ist; und genau darum geht es bei der Performance.

Was bedeutet es heutzutage eine Kuratorin zu sein? Wie würdest Du die Rolle des Kurators in der Gesellschaft beschreiben?
Den Begriff curating ziehe ich gern vom Etymologischen her auf. Die Rolle des Kurators ist es nicht nur für die Künstler „Sorge zu tragen“ sondern auch für das Publikum. Historisch betrachtet, hat der Kurator aber auch noch eine weitere interessante Funktion: im antiken Rom war der curador für die Sicherheit des Straßenverkehres im Stadtstaat, der polis, zuständig. Mir gefällt die Vorstellung des Kurators als eine politische Persönlichkeit: Im Mittelalter gab es eine priesterliche Figur namens curatus, deren Aufgabe darin bestand, die Seelen auf dem Weg ins ewige Leben zu begleiten. Ich denke, dass der Kurator ein intellektuelles sowie gefühlsmäßiges Bewusstsein mit dem Künstler teilt, das Elie Durings „Mäeutik des Denkens“ (Maïeutique de la pensée) entspricht; ob sich dies tatsächlich in irgendeiner Form verfestigt oder nicht, spielt keine Rolle. In zweiter Linie soll der Kurator einen kontinuierlichen Dialog führen. Deleuze betonte übrigens, dass das Schaffen eines Konzepts oder einer Idee bereits eine echte Kreation sei – in gleicher Weise wie Malerei bzw. jegliches Werk bildender Kunst. Für mich ist Kunst, wie Roland Barthes es ausdrückt, die schönste Brille, durch welche die Welt betrachtet werden kann.

Welchen Beitrag leistet ein Programm wie Jeunes Commissaires mit einem Projekt wie In Extenso zu deiner Arbeit?
In erster Linie erlaubt es mir die Möglichkeit zu reisen, Akteure aus verschiedenen Disziplinen und mit unterschiedlichen Fragestellungen kennenzulernen und dadurch auch andere Perspektiven einzunehmen. Jeunes Commissaire bietet mir die Gelegenheit, meine Arbeit neu zu denken – was man eigentlich jeden Tag machen sollte. Es ist wichtig, nicht der Gewohnheit zu verfallen. Man sollte verhindern, sich im Mainstream, was dem heutigen Akademismus entspricht, zu verankern. Ebenso gefällt mir der Kontext- und Sprachwechsel, was  die Struktur meines Denkens und de facto meine Praxis beeinflusst. In meinen Recherchen beschäftige ich mich mit möglichen Verhaltensformen, ihrem Entstehen und ihrer Setzung sowie ihrer Bedeutung für Ausstellungen, Wie ist Performance vom Ereignis zu unterscheiden? Wie kann man eine Absicht fern eines bloßen Archiv- bzw. Dokumentaransatzes verfolgen, d.h. in der selben Zeitlichkeit des menschlichen Lebens? Mit In Extenso untersuche ich Raum und Architektur durch die Brille der manchmal sehr autotelischen Darstellenden Kunst. Dies sollte mir erlauben, mich gründlich mit dieser elastischen Verbindung tiefer zu befassen und gleichzeitig meinem Arbeitsparadigma treu zu bleiben, das aus zwei meiner Forschungsachsen – dem Gemeingut und der Performance – sowie verschiedenen ähnlichen Themen besteht (Identitätssuche, Verantwortlichkeit, Widerstand, Emanzipierung, freier Wille, Beziehung zwischen physikalischem und gemeinsamen Körper). So gesehen geht es hier um eine Kunst des Lebens.

Bild: Marlen Müller

Workshop Performance

Freitag, den 23. Mai 2014

Workshop In Extenso – Erweitert: Performance, 23. Mai 2014 im Deutschen Architektur Zentrum.
Teilnehmer:

– Agnès Violeau, Kuratorin,
– Léa Gauthier, Philosophin,
– Gabi Schillig, Architektin,
– Dennis Rudolph, Performer,
– Louise Desbrusses, Dichterin und Performerin,
– Judith Seng, Designerin und Performerin,
– Cathy Larqué, Leiterin des Bureau des arts plastiques,
– Marc Bembekoff, Leiter des Centre d’art contemporain La Halle des bouchers,
– Matthias Böttger, Kurator im Deutschen Architektur Zentrum

Wir waren aufgefordert, uns mit möglichen Definitionen der ebenso offenkundigen wie wechselhaften Kunst der Performance zu befassen sowie ihrer dimensionalen Komplexität – Produktion, Ausstellung, Verbreitung und vor allem Dokumentation – und standen sogleich vor einem Dilemma: Jenseits der Performance und ihrer Ausformung, dem performativen Akt als solchem, ist noch etwas, der Raum. Ein physischer, visueller, sozialer, organischer Raum, von dem man annimmt, dass er dem performativen Akt vorausgeht und ihn wohl auch überdauern wird. Der Künstler Dennis Rudolph kann ein Lied davon singen: In Rahmen seines Projektes Portal to Hell or Paradise auf der Desert Butte, einem Felsturm nahe California City, Exil zwischen Himmel und Erde, hat er eine Passage to Nowhere errichtet, mit der er seine Überzeugung bestärkt und festigt, dass die Kunst nichts auf der Welt zu ändern vermag. Ihm zufolge vergrößert die Kunst nur das uns umgebende Chaos.

Je mehr man darüber nachdenkt, desto schwieriger erscheint es, einen idealen Raum für die Präsentation dieser Kunstform definieren zu können. Warum sollte man ihn überhaupt definieren? Um einen attraktiven Rahmen zu haben, ein gefälliges Format? Ein System, mit dem man alles erweitert oder vereinfacht, um es besser adaptieren, übersetzen, kontrollieren zu können? Welche Rolle spielt der Kurator, dem es obliegt, dies sichtbar zu machen?

Was die Kunst angeht, so steht fest: Die Performance wird gemacht, die live art findet buchstäblich statt, etwas belebt den ihr zugestandenen Raum, ja sogar mehr: Die Performance behauptet sich. Obgleich man bestrebt ist, sie zu unterstützen, sie zu fassen, scheint sie oft einen neuen Raum zu erschaffen, ob man – wir, die Kuratoren, wir, die Künstler, wir, die Sammler, wir, die Besucher, wir, die anderen – will oder nicht.

Der Wunsch bleibt, die entscheidenden Bestandteile zu definieren: Wird der Ort (the space, le lieu usw.) der performativen Kunst durch die Aktionen definiert, die ihn darstellen? Oder werden die Aktionen von den Gegebenheiten des Raumes beeinflusst? Anders gesagt: Wird die Performance durch das Drehbuch, die Partitur, den Plan definiert, oder eher durch ihre Wirkung auf die Umgebung, auf die neuen Linien, die sie mit ihrem lebendigen, organischen, belebten und flüchtigen Charakter setzt, ganz wie das Leben selbst?

Die Teilnehmer betonen, dass die Definition über die Absicht erfolgt, aber es wird auch über die Kraft nachgedacht, mit der Kunst den Raum komplexer macht, sich neu definiert, ihre Gewohnheiten ändert und dadurch auch die Regeln ihrer Rezeption dort, wo sie gezeigt werden sollte. So wie bei der Passage to Nowhere, bei der alles gescheitert ist – der Künstler kam als Einziger zur Vernissage – und dadurch alles möglich wird.

Die Performance ist ein Balanceakt zwischen Dynamik und Statik, weshalb sie logischerweise neue Definitionen und einen neuen Sinn erhält, neue Grenzen festlegt und ein neues Potential entwickelt, wenn sie von einem Rahmen in einen anderen verlegt wird: vom Museum in die Galerie, von der Straße in die Wohnung des Sammlers, vom Moment der Aufführung zum Moment der Kritik. Dabei wird die Performance ständig codiert und decodiert, erneut codiert und wieder decodiert. Es wird angemerkt, dass die Performance in der Tat vom architektonischen Rahmen abhängt und dass der institutionelle Rahmen ihre Existenz gestattet. Wie schafft man einen Raum, in dem Künstler und Kuratoren oder auch Perfomer und Architekten gleichberechtigt aktiv diskutieren, sich anstecken, und verhandeln können?

Einige sind der Auffassung, dass der performative Akt in der Lage ist, dem Raum Ausdruck zu verleihen. Andere betonen, es sei die Pflicht des Künstlers, über den Akt hinaus neue Räume zu erschaffen. Wie kann man der Performance Mittel für ihre zukünftige Entwicklung (die Post-Performance) geben, wenn ihr Wesen darin besteht, neue Räume und neue Rahmen zu erschaffen, Schritt für Schritt im Falle eines Tänzers, Knoten für Knoten im Fall der genähten Skulpturen von Gabi Schillig?

Es wird ein Wesenszug der Performance herausgearbeitet, der womöglich typisch für das Format ist und dem aristotelischen Begriff der Spontanzeugung nahekommt: Der Live-Künstler wäre demnach eine Maschine, die neue Räume gebiert: visuelle, soziale, politische und noch viele mehr. Das erschwert dem Kurator die Arbeit, der sich Systeme ausdenken muss, in die er dieses Genre eingliedert oder einbezieht. Ist es das Schicksal der Live-Kunst, isoliert zu sein oder sich womöglich spontan selbst zu isolieren?

Parallel dazu wird angemerkt, wie sich der – wachsende – Trend zur Privatisierung und Monetisierung der Räume, infolge unserer neoliberalen Gewohnheiten, auf diese Räume des Austausches auswirken kann. Wäre es im Hinblick auf die Performance clever, in den Künstler zu investieren, der neue Räume zu schaffen vermag, oder den Raum zu transzendieren, in dem er auftritt? In dieser Hinsicht bietet die starre und definierte Skulptur weit weniger Expansionsmöglichkeiten. Wer wird sich denn für das zertifizierte Barrel anstatt der Ölquelle entscheiden?

Gleichzeitig könnte das Bild des menschlichen Körpers als Währung dienen, als Symbol und Maßeinheit zugleich: eine lebende Skulptur, die Räume zu definieren und zu erschaffen vermag und gleichzeitig von ihrer Umgebung modelliert wird. Dafür muss man nicht einmal Künstler sein. Man denke z. B. an den öffentlichen Raum und an das Wort Demonstration, das im Französischen mit manifestation (Ausdruck, Bekunden) übersetzt wird. Der einzelne Körper und der Körper unter Körpern, der dynamische Körper und der statische Körper, der Körper als greifbares und flüchtiges Element. Der Körper des Künstlers, des Kurators, des Publikums, des Käufers, des Kritikers, nichts als Körper und ihre Stofflichkeit, ihr Potential zur Charakterisierung, zum Erleben des Inhaltes des Werkes und zum Übersetzen in andere Sprachen. Gerade im Vergleich zum narrativen Potential der Sprache ist man hierbei sicher, dass das Erlebte im und auf dem Körper Spuren hinterlässt und dass es nicht wiederholbar ist. Ein gutes Beispiel dafür ist die Arbeit von Judith Seng, die auf der Kunstmesse Art Basel Design in einem Produktionszyklus von 15 freien Objekten pro Tag eine Gruppe von Tänzern und einen einzigen Stoff inszenierte.

Schließlich ist man versucht, auf die demokratischen Wurzeln des öffentlichen Raumes einzugehen, der laut Rosalyn Deutsche „ein leerer Raum“ ist, der immerzu geleert wird von Bedeutungen, die über seine Leere hinausgehen. Dadurch können Körper und Aktionen dort Aufnahme finden und ihm vorübergehend einen Sinn geben, bevor sie wieder verschwinden und in den Zustand des Offenseins, der Unbestimmtheit und Unvollkommenheit zurückzukehren. Wie schon Rem Koolhaas sagte: „The general urban condition is happening everywhere“, vielleicht sogar on the other side, um die tagline der Passage to Nowhere von Dennis Rudolph wieder aufzugreifen. Wer weiß?

Bild: „Entrance California City“, 2013, ©THE|PORTAL
Text: Jeanne-Salomé Rochat

Agnès Violeau

Agnès Violeau (*1976), unabhängige Kuratorin und Kunstkritikerin, ist Mitglied der Kuratorenvereine IKT und c-e-a. Sie leitete den konzeptuellen Raum „Site Odeon5“ und war für das Kunst-Programm des „Point Ephémère“ in Paris zuständig. Sie ist Mitbegründerin der Kunst- und Literaturzeitschrift J’aime beaucoup ce que vous faites, welche den Performance Zyklus Fiction_ Lectures Performées in der „Fondation Ricard“ initiierte. Zurzeit nimmt Agnès Violeau am Performance Programm des „Espace culturel Louis Vuitton“ in Paris teil, schreibt für Vogue Digital, unterrichtet Museology und arbeitet an einer Publikation zum Thema Kuratieren als raümliches „Schreiben“ als eines Ansatzes der Kunstkritik. Sie kuratierte u.a. die folgenden Ausstellungen: La part du blanc – Nemours, Opalka, Parmiggiani (2001, Paris), Extra-light – Armleder, Verjux, Violette (2008, Point Ephémère, Paris), Signs of Life (2012, Nuit Blanche, Montréal), Experienz – performing art platform (2012, Wiels, Bruxelles) sowie Des choses en moins, des choses en plus : les collections protocolaires du CNAP (2014, Palais de Tokyo, Paris).

In Extenso – Erweitert
How to rethink space and matter?
Ein Projekt des Bureau des arts plastiques des Institut français in Kooperation mit dem Deutschen Architektur Zentrum DAZ
Von Mai 2014 bis November 2015

A SPACE IS A SPACE IS A SPACE
Im Deutsches Architektur Zentrum Berlin
Vernissage 10. September 2015
Ausstellung 11. September – 8. November 2015

Kader ATTIA / Rosa BARBA / Nina BEIER & Marie LUND / Laetitia BÉNAT / Peggy BUTH / Natalie CZECH / Jason DODGE / Jimmie DURHAM / Jean-Pascal FLAVIEN / Alicia FRANKOVICH / Rainer GANAHL / Christian JANKOWSKI / Thomas LOCHER / Markus MIESSEN / Joanne POUZENC / Michael RIEDEL / Lyllie ROUVIÈRE / Dennis RUDOLPH / Vanessa SAFAVI / Eric STEPHANY / Rosemarie TROCKEL / Clémence de la TOUR DU PIN / Tris VONNA-MICHELL

Das Bureau des arts plastiques des Institut français entwickelt im Rahmen des Nachwuchskuratoren-Programms Jeunes Commissaires in Kooperation mit dem Deutschen Architektur Zentrum DAZ das Projekt In Extenso – Erweitert und stellt die Frage How to rethink space and matter? Vier französische Kuratorinnen – Agnès Violeau, Karima Boudou, Céline Poulin und Florence Ostende – sind eingeladen, sich den Themen Performance, Social Context sowie Public Space  in einer von ihnen gestalteten öffentlichen Diskussion und in Workshops experimentell zu widmen: Ein offener und fortlaufender Austausch untereinander und mit eingeladenen Künstlern, Architekten und Denkern aus Deutschland und Frankreich soll entstehen. Im Grenzbereich zwischen Architektur und unterschiedlichen Disziplinen der Bildenden Kunst eröffnet sich allen Teilnehmern die Möglichkeit der erweiterten Interaktion. Diese Kontextverschiebung, bei der performative sowie narrative Ausdrucksformen einbezogen werden, berücksichtigt sowohl den physikalischen Raum als auch den sozialen Kontext. Die Ergebnisse von In Extenso – Erweitert werden in einer zweiten Projektphase ab September 2015 im DAZ präsentiert.

Die Entstehung und der zugrundeliegende Forschungsprozess wird hier dokumentiert und öffentlich zugänglich gemacht, außerdem regelmäßige Updates zu den Sprechern und Gästen des jeweiligen Themenabends.

Künstlerische Leitung:
Marc Bembekoff (Direktor Centre d’art contemporain La Halle des bouchers Vienne) Matthias Böttger (DAZ), Cathy Larqué